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La Leçon du Piano. Un Naufrage.

pfaadmin — Tue, 29 Mar 2022 16:18:24 +0000

The PIANO (Titre français : La leçon de piano). Film de Jane CAMPION.

Palme d’or du Festival de Cannes 1993.

Sur l’affiche et dès les premières images un piano s’impose. Surréaliste. Posé entre une femme en austère costume victorien et une angélique fillette sur une plage déserte fouettée par les vagues, il donne un spectacle aussi stupéfiant et beau que la rencontre fortuite sur une table de dissection d’une machine à écrire et d’un parapluie.

Au XIX° siècle embarquer avec sa fille de neuf ans et un piano à queue dans une traversée entre l’Ecosse et la Nouvelle-Zélande relève incontestablement de l’extravagance. Pourtant Ada le fit. Fermée au monde, cette étrange veuve muette pas sourde pour autant se soumît à la décision paternelle de l’envoyer loin du foyer natal en des contrées hostiles épouser un colon britannique inconnu vivant dans le bush néo-zélandais en territoire maori. Catastrophe annoncée.

Plus que d’un voyage il s’agit de l’aventure complexe d’une mère Ada et de sa fille Flora. D’un piano Broadwood et de deux hommes, Alistair le mari et George l’amant. L’histoire d’une pianiste ayant perdu l’usage de la parole. D’un mariage obligé. D’un amour déplacé. A plus d’un titre.

Qui est Ada l’héroïne de ce drame romantique ?

Le roman familial élaboré par Flora raconte que sa mère aurait été mariée à un chanteur et néanmoins son professeur. Psychiquement atteint après avoir été frappé par la foudre il serait devenu incapable de l’écouter… jouer.

Les enfants ont une intelligence surprenante de ce qui les dépasse.

En réalité Ada est devenue aphasique à l’âge de six ans à la suite d’un traumatisme auquel serait associé son père qui attribue ce blocage brutal à la volonté obstinée et délibérée de sa fille. Un mutisme par choix. Par défaut.

Le seul laissé à cette femme fut celui du silence et des non-réponses. Non exaucée elle préféra se murer dans le silence. Et le mépris.

Ses moyens de communication restent le langage des signes (traduit par sa fille) la musique et les mots écrits sur un petit carnet accroché à son cou.

Parfaite image de la femme empêchée. Empêtrée dans ses atours d’époque victorienne. Crinolines et jupes cloches ! Dentelles et jupons. Entravée par d’étouffants corsets. Le visage pâle encadré de bandeaux soigneusement lissés. Aveuglée par la cornette d’un chapeau noué sous le menton.

Ses grands yeux noirs figés dans l’expression d’une méfiance farouche semblent fixés sur le traumatisme ancien d’on ne sait quelle frayeur.

Elle traîne dans ses errances une enfant devenue l’interprète obligée des silences de sa mère. Petit clone d’elle-même avec lequel elle joue oublieuse des protections auxquelles les enfants ont droit. Témoin de tout il manque à cette petite fille confrontée aux violences des adultes les clés de la compréhension. Sur un mode compensatoire elle invente un roman familial dans lequel l’affabulation réarrange l’histoire.

Fillette traumatisée d’une mère qui le fût.

Le piano est un personnage central.

D’un côté la musique de l’autre le silence. Piano versus mutisme.

Tout est ici de l’ordre de l’impossible communication.

La pianiste est muette. Le père et le mari sourds à ses désirs. L’enfant trop jeune pour comprendre. L’amant inculte et analphabète. L’accordeur aveugle. Les maoris incompris dans leurs mœurs et leur langue de primitifs.

Le décor est planté pour que la violence explose de trop d’incommunicabilité.

Ada s’empêche de parler. Ada s’accroche à son piano comme à une bouée de sauvetage qui pourtant faillit bien avoir l’effet contraire et l’entraîner noyée dans les bas-fonds au large de la Tasmanie.

Piano ensablé sur le rivage. Embourbé dans la forêt.

Piano extrait d’un salon bourgeois échoué dans une cabane aux quatre vents du bout du monde. Otage.

Piano chantage et monnaie d’échange. Naufragé.

Les images sont fortes. Impossibilités et poésie brutale.

Objets transitionnels qui ne disent plus leur nom, les pianos interfèrent et intercèdent. Souvent en vain. Orgueil et vanité.

Ne sont-ils pas un des puissants leviers de l’oppression du patriarcat sur les filles ? Entre Lettre à Élise et Marche Turque. Soumission et uniformisation.

Ils deviennent obstacles. Refuges. Écrans. Écrins. Leurres. Fardeaux.

Et finiront par faire chavirer. Et la barque et la femme et les hommes.

L’histoire ici contée est bien celle d’un chavirement.

Haut-le-cœur de Flora sur la mer démontée. Mal de mer et mal de mère. Mère insatisfaite et insatisfaisante, Ada utilise sa fille en guise de porte-parole. Elle en fait son prolongement. Son double. Sa doublure. Son messager. C’est abuser des enfants que les prendre pour les porteurs de message que sont les anges véritables.

Flora enfant déjà compromise sera trop tôt mêlée à ce qu’elle ne peut comprendre.

Tandis que son corps de petite fille virevolte en roues et cabrioles, tandis qu’elle tente de s’envoler avec des ailes de pacotille, l’horreur et la brutalité des adultes vont la clouer au sol. Dans la boue, dans la fange, dans le sang qui l’éclaboussent et la souillent. Drame de la répétition du même de génération en génération. De mère en fille. Flora jouera du piano.

Dans cette histoire tout est juxtaposition des contraires. Dilemmes. Interdits et transgressions. Paradoxes. Contradictions. Pris entre des injonctions contradictoires les personnages souffrent et se font souffrir. Étaux d’incompréhensions et tenailles de contraintes au risque de la folie.

Nature et culture seraient donc irréconciliables. Amour et famille aussi.

Femmes et hommes irrémédiablement incompatibles.

THE PIANO, musique d’une parole perdue.

En posant un piano entre elle et le monde Ada impose une stratégie. Coup de poing sur la table des négociations interdites.

Le mystère que les pianos recèlent se cache dans leurs profondeurs devenues caisses de résonance pour l’inaudible parole de celles et ceux qui en jouent. Inséparablement.

Les pianos sont des bouches ouvertes. Béantes. Des porte-paroles secrets.

Pianos amplificateurs des silences. Porte-voix des muets.

Mais quel est le discours ? Et qui pourrait l’entendre ?

Qu’est-ce qu’un piano ?

Un instrument, un outil comme le sont tous les pianos. Pour certains, un moyen de libération. Pour d’autres, un instrument de contrainte voire de torture. Ada après avoir appris à jouer devient à son tour professeur. D’abord de sa fille. Ensuite de son futur amant qui en fait la demande expresse. On ne s’y trompe pas ce n’est pas la méthode rose qu’il ambitionne de posséder mais le corps même de la pianiste. Ada veut récupérer son piano devenu possession de George. Le marchandage conclu implique d’échanger chaque touche noire du clavier contre des touches beaucoup plus érotiques. Où le désir va-t-il se nicher ? Dans les mots.

Si en français les tiges de bois et d’ivoire composant le clavier se disent « touches » dans d’autres langues elles se disent « clés ». Éloquente nuance.

Tourne la clé. Enfonce la touche.

Qui dit clé dit serrure. Et la clé l’ouvrira. Processus progressif. Tire la chevillette et la bobinette cherra.

Qui dit touche ne dit pas autre chose que toucher. Action. Émotion sans aucun doute aussi. Frapper. Taper. Imposer. Et toujours dominer.

Touche à touche…la langue française incite aux jeux de mots. La langue anglaise est beaucoup plus prude. A force de jouer à touche-touche l’élève et sa maîtresse s’éprennent. La touche est réciproque. La punition les guette. Touché-Coulé. Ada sera punie. George non.

La pire des punitions, le cauchemar des pianistes

La punition de la femme adultère sera terrible. La violence est au rendez-vous. Elle aura le doigt coupé. Pas la main. Seulement l’index. Celui qui désigne et accuse. Le doigt de Dieu. Celui sans lequel elle ne pourra plus jouer. Perdre un doigt revient à perdre la main.

Cauchemar des pianistes c’est la pire des punitions qui leur soit réservée.

Au fond n’est-ce pas ce que cherchait Ada ? Ne plus jouer quitte à y perdre un doigt. Se débarrasser du fardeau qui lui était imposé par le biais de cet embarrassant piano. S’en débarrasser au risque de la noyade lorsqu’elle demande qu’il soit jeté par-dessus bord et qu’elle coule entraînée à sa suite.

La punition ultime paraît donnée sous forme d’un happy-end d’opérette.

Ada de retour dans son Ecosse natale est installée dans un confortable salon en compagnie d’un nouveau piano et d’un nouveau mari, George revenu à la civilisation. Appareillée d’un index métallique articulé offert par son bienfaiteur et amant elle s’exerce à jouer et à recouvrer la parole. Tout n’est qu’articulation.

Dernière image : Ada en pleine séance de rééducation orthophonique. Effrayée par le son de sa propre voix, elle cache sa tête sous un fichu. George le soulève et la serre dans ses bras.

Le voile tombe sans pour autant que les yeux se décillent.

Si le film s’attache à des thèmes féministes il laisse planer un malaise. Celui du retour du même. La boucle est bouclée. No future.

Ada n’a rien gagné. Elle reste enfermée. C’est une déception. La tragédie d’un asservissement toujours recommencé.

Jane Campion

Réalisatrice néo-zélandaise née en 1953. THE PIANO est son troisième film. Elle est une des femmes-réalisatrice les plus primées. Si on souligne le fait qu’elle fut la première femme à obtenir une Palme d’Or il faut ajouter que ce fut ex-æquo avec un réalisateur masculin pour le film « Adieu ma concubine » … séduction et trahison à tous les étages.

Les thèmes récurrents dans son œuvre sont l’émancipation d’héroïnes singulières et souvent marginales. Le plaisir féminin. La lutte contre les carcans sociaux. Laquête d’identité. La rébellion de femmes fortes contre l’ordre établi et l’injustice des sociétés patriarcales. Leurs échecs.

Elle excelle à représenter en écho la beauté sauvage de la nature et le bouillonnement passionnel.

Ethnologue de formation elle milite pour la cause environnementale.

Jane Mander

Ecrivain et journaliste néo-zélandaise (1877-1949).

Le féminisme a orienté ses écrits vers le combat de tout individu et en particulier des femmes pour échapper à leur condition et accéder à la liberté. Les moeurs libérales des Maoris et leur mode de vie au contact d’une nature sauvage ont inspiré son roman Histoire d’un fleuve en Nouvelle-Zélande écrit en 1920. Malgré les ressemblances Jane Champion se défend d’en avoir fait une adaptation.

Les femmes sont les pires ennemies d’elles-mêmes…et de leurs semblables…

Michael Nyman

Né en 1944 à Londres a composé la musique du film.

Compositeur prolifique il a écrit depuis presque un demi-siècle pour le cinéma (en particulier pour Peter Greenaway) pour la danse (Lucinda Childs. Karine Saporta) et les défilés de mode. Son style inspiré de musiciens tels que Purcell ou Mozart est plutôt minimaliste.

Musicologue et journaliste musical il a écrit en 1974 un ouvrage de référence Expérimental music : Cage and beyond.

par FLY de Latour, le 16 décembre 2021, jour de la Ste Alice.

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Ceci N’est Pas Un Piano

pfaadmin — Tue, 22 Mar 2022 11:05:09 +0000

Credit Photo FLY de Latour

Char of a secret order. 2016.

Stefan TCHEREPNIN

Fourrure synthétique bleue. Amplificateur. Lecteur de CD. Pierres de Niesen. Galerie Francesca Pia à Zurich.

Les apparences sont souvent trompeuses.

Pourtant on s’y laisse prendre. On n’y voit que du bleu. Un piano sous une housse de fourrure synthétique bleue à trois pattes griffues et deux yeux globuleux. Évocations multiples déconcertantes. L’art contemporain se fait coutumier des questionnements et associations en tout genre.

Un personnage aux yeux globuleux vêtu de fourrure noire se tient debout à distance. S’il était pianiste ou accordeur sa présence justifierait l’idée première qu’il y aurait bien là sous une housse bleue un piano à queue.

Mais si c’était un ours ?

Le kitsch de l’ensemble rappelle soudain les marionnettes monstrueuses du Muppet Show. Quel est le rapport ?

Josef Beuys dans sa performance en 1966 « infiltration homogène pour piano à queue, le plus grand compositeur contemporain est l’enfant thalidomide » avait déjà étouffé un piano sous une camisole intégrale de feutre gris estampillée d’une emblématique croix rouge. Personne n’a vérifié la présence effective d’un instrument sous la housse. Qui a perçu sous le silence la dénonciation des méfaits de la thalidomide sur les petits enfants. Comment comprendre ?

Autre tentative de rapprochement : le piano à queue Erard peint en bleu rouge et rose par Bertrand Lavier en 2019.

Décalage, dérision, références à la B.D. et au monde de l’enfance ne permettent ici ni comparaison ni meilleure compréhension.

Attention portée aux détails : Les deux oculi écarquillés faits de billes rondes rapprochées seraient en pierres de Niesen.

Pic parfaitement pyramidal le Niesen domine les Alpes bernoises du haut de ses 2362m. Accessible par le funiculaire le plus long du monde il recèle des galets quartziques parfois appelés dragonite chers aux géologues. Ces vestiges du Crétacé supérieur témoignant d’une époque antérieure au retrait de l’océan alpin seraient-ils posées tels deux yeux regardant le passé sur la mer bleue d’une fourrure synthétique ? Cailloux blancs d’un Petit Poucet antédiluvien.

Piano or not piano ?

Sur le cartel la description de l’œuvre ne fait aucune mention de piano mais d’un lecteur de CD et d’un amplificateur.

Mystification ! La housse masque ! La housse trompe ! Il n’y a pas de piano. Il n’y a rien. Rien ?

Écouter un CD ou un piano…ça change quoi…plus besoin d’accordeur, plus besoin de pianiste, plus besoin de concert…plus besoin…

La forme archétypale du piano est si unanimement ancrée au fond des imaginaires que tous s’y laissent prendre. Un piano sinon rien.

Les plus audacieux voudraient soulever le voile. Regarder sous la jupe. Ils n’osent pas. Si c’est une farce elle ne fait rire personne.

De toutes les façons on n’entends rien, c’est bizarre.

Pourtant l’artiste est musicien. La forme donnée à voir est celle d’un piano. L’annonce est faite d’un amplificateur. Alors musique !

Mais non le silence règne.

On n’entends rien et on ne peut pas voir ce que la housse cache.

Pourtant des yeux sont là qui nous regardent.

A quoi joue-t-on ? A un genre de colin-maillard où celui qui se cache regarde yeux grands ouverts celui qui le cherche sans pouvoir le voir.

Qui a les yeux bandés ? Qui cache quoi ? Questionnement artistique s’il en est.

On n’y voit rien ! aurait crié Daniel Arasse.

Aveuglement réciproque et surdité partagée. Question de société et d’actualité.

Cookie Monsters et Merkaba

Mais rien ne bouge. Rien ne répond aux questions.

Qu’il est exaspérant de se sentir réduit à l’incompréhension devant une installation si kitsch and cheap ! Un gros nounours accompagné d’un animal-piano fleur bleu. Et alors ?

…J’me suis fait tout p’tit devant une poupée…la chanson est venue comme ça. De loin. Comme une invitation à regarder humblement vers l’enfance. L’innocence. La pureté des commencements. L’âge où la vérité sort de la bouche.

Les poupées de Brassens ont fait la révolution. Les autres sont devenues marionnettes de fourrure bleue aux yeux globuleux on les appelle Cookie Monsters. Elles sont la mise en forme de l’oralité dévorante, entre obésité et anorexie, elles n’ont qu’un mot à leur bouche toujours pleine. En français « gâââto » en anglais « miom miom «.

Ainsi à travers le monde depuis cinquante ans les enfants contemplent par écran interposés ce qu’ils sont en train de devenir : des consommateurs à l’insatiable appétit. Et ce faisant ils ont fait la fortune de Jim Henson génial créateur du Muppet Show.

Le Char d’un Ordre Secret de Stefan Tcherepnin charrie une mystérieuse cargaison bâchée de bleu dénonçant un monde de faux-semblants et d’injonctions contradictoires dans lequel les enfants sont les dupes que l’on gave.

Rien n’empêche de faire un lien plus ésotérique avec Merkaba qui signifie char divin en hébreu et qui a été repris dans les théories du New Age comme étant la capacité pour l’être humain de voyager dans l’espace et le temps. Un véhicule vers d’autres niveaux de conscience. Vers d’autres mondes.

Stefan Tcherepnin

né à Boston en 1977, vit et travaille à Brooklyn. Artiste plasticien formé dans des écoles d’art multidisciplinaires telle la Milton Avery school of arts il est aussi compositeur-interprète de musique électronique diplômé de l’Oberlin Conservatory.

Descendant d’une famille de compositeurs russes, il utilise le Thérémine inventé en 1920 par Sergei Termen et le Serge Modular premier synthétiseur modulaire mis au point dans les années 70 par son grand père Serge Tcherepnin.

Ses installations associent peluches monumentales dites Mad Masters et musiques expérimentales. Porteuses de messages dits « Secret » elles s’exposent en fourrure et en couleur aux États-Unis et en Europe.

FLY de Latour ce 12 décembre 2021 jour de la saint Corentin évêque de Quimper

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Explosion de Piano

pfaadmin — Wed, 16 Feb 2022 11:48:15 +0000

JAZZERCISE

Antonio O’Connell. 2009.

Oeuvre créée au MUAC dans le cadre du programme Recyclage.

Crédit Photo Francisco Peña

PROLIFERATION

La première impression est de stupéfaction devant l’acharnement méthodique destiné à détruire autant qu’à reconstruire. La peur et la curiosité se mêlent devant ce spectacle inhabituel au cœur duquel le piano se trouve.

Les artistes « abuseurs de piano » que sont Arman John Cage Ben Josef Beuys et bien d’autres ne sont jamais allés aussi loin. Leur propos était différent. Ils cherchaient à se débarrasser de l’objet. A le supprimer. A le faire taire.

Ici dans cette explosion figée ce qui se joue est de l’ordre de la conservation. De la construction. L’accumulation et l’augmentation. De la prolifération.

DEBAUCHE CACOPHONIQUE

Il a fallu désosser éventrer les deux pianos visibles sur cette photo. Peut être y en a-t-il d’autres invisiblement intriqués dans ces accouplements multiples et contre nature.

L’opération fut violente et sans égard. Touches et ivoires manquants. Placage arraché. Couvercle détaché. Déplacement du cylindre dont la marque inscrite reste indéchiffrable.

Malgré le carnage les instruments sont identifiables. Il s’agit de pianos sans aucun doute. Des pianos diffractés. En pièces détachées curieusement réagencées suite aux égarements d’une folle débauche sculpturale cacophonique.

Par quel bout la prendre ?

ECHAFAUDAGE INSTRUMENTAL

D’après ce que la prise de vue permet d’observer l’œuvre monumentale est constituée en trois dimensions de pièces hétéroclites et de débris. Elle évoque un instrument de musique hybride. Un piano à queue et un piano droit réassemblés avec planches pupitres et tiges métalliques. Le tout maintenu suspendu en déséquilibre avant par des câbles. L’ensemble complexe se présente de face par un clavierreposant sur deux pieds devenus inutiles et surmonté d’un invraisemblable échafaudage.

Cet étrange chaos semble hésiter entre décoller ou s’écraser au sol. Une menace plane. L’oeuvre est à double intention. Iconoclaste certes elle se fait iconodule en son élan figuré vers le haut. L’explosion qui détruit se métamorphose en Ascension apaisée par la volonté de l’artiste. Apocalypse et jugement dernier sont en cours. Explosion musicale s’il en fut.

Délire d’accordeur. Catastrophe et cataclysme. Colère ou vengeance. Accident.

Le résultat obtenu se veut des plus spectaculaires. Il envahit l’espace entre un escalier et la façade de verre du musée. Incontournable exhibition.

PEINTURE SCULPTEE

Un élément de ce puzzle géant intrigue : un chevalet de peintre.

Serions-nous devant une représentation trompeuse derrière sa monstruosité ?

Ce qui explose aux yeux des regardeurs n’est pas un assemblage constructiviste chaotique. Ce qui est donné à voir est d’un autre ordre : une œuvre hybride. Une peinture sculptée. Une sculpture sur chevalet. Une innovation dans les modes de représentation.

L’artiste sans toile ni peinture a mis directement sur son chevalet non pas un bric à brac de pianos mais la musique qu’il ambitionnait de peindre.

Comment mieux représenter la musique qu’en utilisant pour la peindre ce qui sert à la produire ?

L’OEUVRE L’ARTISTE et son PROPOS

L’œuvre plaît aux musiciens et aux accordeurs. Elle circule. Se sert d’affiche ou de pochette. S’accroche. S’intrigue. Se focalise l’attention sur son aspect anti conformiste. Elle est vue comme un feu d’artifice de piano. Une explosion. Une audace. Rêve fou cauchemar ou bien espoir caché ?

Où se trouve cette œuvre dont l’image circule ? Existe-t-elle encore ?

Qui en est le mystérieux constructeur ? Est ce un facteur de piano ? Un sculpteur ? Un vandale ?

Nous apprendrons enfin qu’il est mexicain architecte et artiste : Antonio O’Connell.

Il a donné à l’œuvre le titre de Jazzercise. Mot-valise « Jazzercise » associe jazz et exercice. La construction de l’installation relève en effet de l’improvisation sur le principe d’une musique de jazz.

Elle a été réalisée au MUAC dans le cadre du programme Recyclage utilisant les déchets conservés à cet effet par le musée. Il s’agissait à travers l’art de dénoncer le système de consommation de masse et d’éveiller les consciences. Cette démarche est celle qui anime principalement le travail d’O’Connell.

Antonio O’Connell

Né en 1974 à Mexico où il travaille comme artiste et architecte.

Dans le cadre de l’art contemporain ses installations explorent les liens entre art et architecture.

Architecte indépendant son penchant pour l’architecture expérimentale l’a conduit dans le domaine de l’art contemporain.

Son travail matérialise en des structures éphémères (Métaphore d’un virus. Virus. Inoculation.) l’aspect viral d’un système capitaliste en décomposition. Il assimile cette autodestruction à un virus qui infecte les structures et construit les siennes à partir de ce que le système rejette.

Il s’interroge sur le rôle du binôme architecture/art. Pour combler le fossé entre les sociétés développées et sous-développées. Il considère ce fossé comme un espace conceptuel devant être conçu par tous – pas seulement des architectes ou des artistes – dans un monde non pas uni par la technologie et l’accès immédiat à l’information mais par un environnement commun de plus en plus menacé.

La dislocation calculée des pianos de Jazzercise et leur explosive mise en pièces évoquent la grenouille qui voulait se faire plus grosse que le boeuf dans une fable de La Fontaine. Elle s’enfla si bien qu’elle en creva !! Le message est passé. L’alerte est donnée !!

FLY de Latour ce 11 octobre 2021 jour de la St Firmin

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Portrait sur Piano-Jouet

pfaadmin — Fri, 14 May 2021 11:44:44 +0000

« Don’t forget me » par Tatsuhito Horikoshi

Un portrait sur piano jouet

–Horikoshi peint ici un portrait associé à un objet porteur d’une narration sous jacente. Inattendu et nouveau dans son œuvre il utilise comme support un piano blanc, petit piano droit pour enfant. Un jouet musical de 2 octaves de 15 touches blanches et 10 noires.

Occupant toute la longueur du couvercle du piano le portait est celui d’une enfant de profil dont le buste apparaît vêtu d’un pull aux couleurs de l’arc en ciel sur fond mauve. Les taches de rousseur le petit nez relevé et les grands yeux apanages des faciès occidentaux contrastent avec un casque de cheveux noirs dont la forme évoque celle d’une traditionnelle perruque de geisha.

Devant la petite fille une phrase est écrite en bleu : Don’t Forget me.

En langage des fleurs c’est le bleu myosotis qui porte cet amoureux message. Vergiss mein nicht…Ne m’oublie pas…

L’effet décoratif est évident. La signification profonde est plus mystérieuse.

Qui parle ? un jouet ? un piano ?

-Si le peintre fait parler la fillette elle demande peut-être de ne pas être abandonnée au sort des femmes écartelées entre tradition et modernité.

Si le peintre fait parler le piano il nous prie de penser à lui. De le jouer. De prendre soin de lui et de l’écouter. Supplique que ferait un piano à son accordeur.

Si le peintre parle de lui par le détour de l’œuvre il exprime une requête personnelle inhérente à toute démarche créative : rester. Rester dans le souvenir des autres pour ne jamais disparaître. Défi suprême face à la mort.

Don’t Forget me est aussi le titre d’une série tv japonaise. Une histoire d’amour dans laquelle une jeune femme est atteinte d’une forme très précoce de maladie d’Alzheimer.

Quoiqu’il en soit c’est du souvenir qu’il s’agit. Comme à Hiroshima et Nagasaki où les gardiens du souvenir se relayent pour que personne n’oublie. Don’t Forget them.

Tatsuhito Horikoshi, un portrait

-Peintre japonais, né en 1985, est diplômé de l’école d’art Tama. Il est représenté à Tokyo par la Shinjuku Takashimaya Gallery, à Paris et Hongkong par la A2Z Art Gallery.

Influencé par l’artiste américaine Elizabeth Peyton et l’univers du Manga il peint des personnages imaginaires aux visages impassibles lisses et épurés traités par aplats de couleurs souvent partiellement cachés par des masques capuches pansements ou autres artifices. De l’absence de détail et d’expression se dégage une impression de mystère et de détachement voire d’étrangeté. On pense aux portraits d’Alex Katz et d’Andy Wharol. Aux aplats de couleur de David Hockney.

Les références à l’enfance oscillent entre candeur naïve et froide rêverie.

L’artiste lui-même dit se tenir à distance des turbulences du monde pour s’en protéger et mieux l’observer. Ses tableaux lui ressemblent jusqu’à l’auto portrait.

Parfois quelques mots en anglais sont plaqués sur la toile tels des slogans ou des questionnements. Take it easy. Feeling good. What is victory ? Don’t Forget me.

En ayant choisi de peindre une petite fille sur le couvercle d’un piano-jouet Horikoshi place ici en les associant peinture et musique dans l’univers de l’enfance. Il attire l’attention sur un instrument de musique particulier dit Kinderklavier en allemand et Toy-piano en anglais.

Un petit piano, une grande entreprise

-L’histoire d’un petit piano et d’une grande entreprise commence à la fin du XIX° siècle.

Albert Schoenhut(1849-1912) est allemand. Ses parents sont fabricants de jouets en bois, poupées, trains et chevaux à bascule. Très jeune Albert commençe à fabriquer des pianos miniature ou Kinderklavier. À 17 ans il part à Philadelphie pour réparer les pianos jouet, importés aux États-Unis. Six ans plus tard il y crée son entreprise. Parmi maisons de poupée et figurines de cirque les instruments de musique miniature tiennent une grande place (banjo xylophone glockenspiel…). De fusions en rachat l’entreprise existe toujours.

Albert Schoenhut acteur de la diffusion mondiale d’instruments de musique miniatures peut être considéré comme ayant participé à l’éveil musical de générations d’enfant.

A la même époque dans les années 1880 tandis qu’aux Etats-Unis Albert Schoenhut (1849-1912) donnait son nom à la plus grande entreprise de fabrication de Pianos-jouet, son exact contemporain nippon Torakusu Yamaha (1851-1916) (voir sur le site l’article Spirit of Yamaha) posait les fondations de la plus célèbre manufacture de pianos. D’un côté la démesure de l’autre la miniature.

Les Toys Pianos

Les pianos jouets ont inspiré les compositeurs. En 1948, John Cage fut le premier à composer pour cet instrument (Suite for Toy piano). On peut citer aussi Georges Crumb (Ancient voices of children) Yann Tiersen (Valse des monstres) ou Pierre Bastaroli (Massacre du printemps).

Le piano jouet est un instrument polyphonique à clavier de la famille des percussions.

Le principe de ce piano miniature repose sur le fait que les marteaux actionnés par des touches frappent des lames métalliques (comme pour le célesta) et non des cordes. Le rendu musical s’approche de celui d’une boîte à musique ou d’un carillon miniature. Il n’y a pas de standardisation au niveau de l’ambitus. Piano droit ou à queue sa taille et le nombre de touches sont variables jusqu’à 49 et 54 touches (Michelsonne). La Schoenhut Piano Company propose une gamme complètede pianos droits et à queue allant des 18 touches aux 37 touches.

Compositeurs et collectionneurs s’attachent à les distinguer. Les quatre tailles les plus répandues comptent 18 touches soit une octave et demie (du do3 au fa4), 25 touches soit deux octaves (du do3 au do5), 30 touches soit deux octaves et demie (du do3 au fa5) ou 37 touches soit trois octaves (du fa2 au fa5).

La Schoenhut Piano Compagny

La Schoenhut Piano Compagny a aujourd’hui 150 ans d’existence et reste le seul fabriquant exclusif de Piano jouet au niveau mondial.

En 1970 elle avait fusionné avec Jaymar (créée en 1920 puis disparue en 1990).

La marque française Michelsonne fut active entre 1939 et 1970. Il est amusant de remarquer que les ateliers de Victor Michel (créateur de la marque Michel-sonne) étaient situés à Sélestat dans le Bas-Rhin.

En dehors de ces trois fabricants historiques d’autres marques proposent quelques modèles de petits pianos au sein d’un catalogue plus généraliste : en France Vilac propose depuis 1911 des 18 touches droits et un 30 touches à queue.

Aux Pays-Bas NewClassic Toys crée en 1991propose des 18 touches droits et à queue et des 25 touches électriques droits.

D’autres marques existent à travers le monde : Janod (France)Delson (France) Small Foot Design (Allemagne) Hering (Brésil) Zeada (Chine)…

FLY de LATOUR ce 6 mai 2021 jour de la Ste Prudence.

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A Vendre Rare Piano 1/4 Queue Pleyel

pfaadmin — Wed, 17 Jun 2020 11:41:23 +0000

Nous sommes fiers de vous présenter ce piano Pleyel modèle 3bis, 6 pieds, année 1910, au son chaud caractéristique de l’époque, entièrement restauré dans nos ateliers.

La structure :

La table d’harmonie (d’origine) a été flipotée (réparation des fentes dues au temps et aux variations de température et d’hygrométrie), poncée et revernie.

Le cadre a été poncé et redoré.

Nous avons changé le jeu de corde. Les basses (cordes en cuivre) ont été fillées en Allemagne et les aciers sont de la marque Röslau. Le plan de corde respecte les contraintes de tension de ces pianos anciens, plus délicats et fragiles que leur descendant moderne.

Le meuble, entièrement reverni, rappelle le vernis au tampon caractéristique des pianos de l’époque.

Le clavier :

Chaque revêtement de touche a été sculpté et ajusté à la main. La matière utilisée est l’ivorite (alliage synthétique rappelant le toucher de l’ivoire tout en apportant la résistante des matières modernes). Les mortaises de balancier et enfoncement sont neuves ainsi que les pilotes.

La mécanique :

Tous les feutres de mécanique ont été changés. Nous avons nettoyé chacunes des pièces de mécaniques pour leur redonner leur aspect originel.

Les feutres de marteaux et d’étouffoirs ont été regarnis.

L’accordeur :

Qui dit piano dit accordeur, nous avons entièrement réglé (dans un souci de respect des côtes d’époques), harmonisé (travail de la texture des feutres de marteau pour une régularité et richesse sonore) l’instrument.

Nous révisons et jouons régulièrement le piano pour améliorer sa tenue d’accord, renforcer son identité sonore.

Lorsque nous avons entamé cette restauration, nous avons souhaité réaliser une restauration respectueuse de l’identité de l’instrument. Nous vous proposons un piano ancien dont le son nous rappelle qu’il fut un temps où chaque marque (je dirais même chaque piano) avait ses propres caractéristiques, ses propres défauts, sa propre personnalité.

Nous vous accueillerons dans nos locaux si vous souhaitez essayer ce piano, connaître plus en détail son histoire et, qui sait, vous familiariser avec votre nouvel instrument. Nos pianos sont stockés à température et hygrométrie stable, dans un local qui servait comme salle de concert et enregistrement. Vous pourrez bénéficier d’une acoustique de qualité et d’un calme propice à l’écoute.

On vous attend !

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Spirit Of Yamaha

pfaadmin — Thu, 07 May 2020 18:45:12 +0000

Photo Fly de Latour

SPIRIT of YAMAHA
Arman 1997
Combo d’un piano à queue découpé et de deux motos.

Un piano à queue campé sur ses trois pieds a été scié avec méticulosité et partagé en trois parties rigoureusement égales suivant deux plans perpendiculaires à celui du clavier.
La partition est remarquable quoique terriblement assassine.
Meurtre à la tronçonneuse.
Deux motos s’intercalent en guise de pansements à l’endroit des coupes franches pratiquées. Cautères sur un piano de bois ! À moins que cet ensemble ne soit un sandwich pour ogre pianophage à la dent dure. Un terrible carambolage a-t-il eu lieu entre les deux engins lancés à vive allure et le piano à l’arrêt dans lequel ils sont venus s’encastrer par l’arrière ?
Pansements. Greffes. Garnitures de sandwich. Accidentel emboîtement. L’imaginaire s’emballe.

Cauchemar de l’accordeur

Quelles que soient les hypothèses devant cet improbable et surréaliste assemblage l’accordeur plus que tout autre frémit emporté terrifié au-delà de ses pires cauchemars.

Autopsie : cylindre et couvercle du piano sont ouverts pour ne rien masquer du massacre.
Clavier et mécanique tronçonnés disloqués découragent toute velléité d’en sortir le moindre son.
Les motocyclettes sont en bon état apparent. Pneus neufs. Chromes brillants. Roues avant et guidons dépassent le clavier bloqués de part et d’autre de la place habituellement réservée au pianiste. Rescapé ?
Impossibles à enfourcher ni à désincarcérer les motos ne peuvent être remises en route. Prisonnières de l’instrument elles donnent encore au moribond l’illusion d’une vitalité perdue.
Mais ni double moteur ni quatre roues ne pourront faire avancer cet attelage contre nature.

Malgré le lourd silence pesant autour de l’œuvre elle impose mentalement aux regardeurs le vrombissement des motos et les éclats musicaux du piano. En une présence/absence sonore.
Le grand immobile qu’est le piano pénétré des deux mobiles que sont les motos reste figé en un mouvement interrompu. Silence/ sons. Immobilité/mobilité. Présence/absence. Dans ces juxtapositions contraires fleurissent de fertiles oxymores.

Piano-moto

Selon sa technique Coupes/Accumulations Arman a crée une de ces œuvres hybrides dont les titres orientent la recherche de sens. « Spirit of Yamaha ». Le piano et les deux motos ici compactés pourraient sortir des usines de M. Yamaha. Aucune estampille ne le confirme mais l’inconscient collectif fonctionne.
En citant Yamaha Arman ne contribue-t’il pas à augmenter
leurs notoriétés réciproques ?

Fasciné par la mécanique et les mécaniques Arman a réussi dans cette œuvre un double et parfait anéantissement. On sait Arman radical dans son rapport aux pianos. Détruits à coup de hache. Explosé. Calcinés. Comme de nombreux artistes du mouvement Fluxus il a usé et abusé du piano dans un rapport amour/haine qui a ravi des générations et nourri des chapitres de l’histoire de l’art. Rien n’est encore dit sur son rapport aux grosses cylindrées…

Il se pourrait que cet inhabituel agencement siamois fasse école chez les designers et oblige pour le désigner à inventer un néologisme adéquat. Pianoto. Piamoto. Mopiatono. Ad libitum.

Torakusu Yamaha était lui aussi passionné de mécaniques et de rouages. Cela l’a conduit à créer ce qui est devenu la plus grande entreprise de fabrication de moteurs et de pianos au monde.
Si Yamaha avait un point commun avec Arman on le trouverait dans leur obstination à faire du piano autre chose et plus qu’un piano.

(L’histoire d’Arman est à retrouver sur ce site dans l’article « Chopin’s Waterloo » en date du 1 avril 2020.)

Torakusu Yamaha

L’histoire de Torakusu Yamaha et de l’entreprise dont il est le fondateur est à suivre ci-dessous :

Torakusu Yamaha est né en 1851 dans le Japon féodal. Son père était astronome au service du clan Kishu Tokugawa.

En 1887 T. Yamaha s’installe à Hamamatsu comme mécanicien-réparateur de mécanismes d’horlogerie de matériel médical et de jouets. Passionné par la réparation d’un harmonium (de marque étrangère) il construit en quelques mois le premier harmonium de marque nippone.
Dix ans plus tard il fonde la NIPPON GAKKI Co Ltd.
Le symbole en est un phénix chinois tenant en son bec un diapason. Ici c’est le phénix qu’on laissera tomber. Deux diapasons s’ajoutent et les trois réunis (deux orientés vers le haut et celui du milieu vers le bas) symbolisent les trois ailes de l’entreprise (production marketing technologie) s’élevant vers le ciel pour conquérir le monde…
Dès 1900 l’entreprise fabrique des pianos droits. À partir de 1902 des pianos à queue.
La production s’élargit au mobilier d’intérieur et à d’autres instruments de musique.
Torakusu décède en 1916. Chiyomaru Amano lui succède.

De l’harmonium aux robots en passant par la moto…

Affaiblie l’entreprise a recours à Kaichi Kawakami qui en prend la direction en 1926.
1937 la guerre sino-japonaise oblige à fabriquer des hélices d’avion et des munitions. Kawakami expose les principes pouvant aider au redressement de l’économie : Discipline et coopération.
En 1950 malade Kaichi laisse sa place à son fils Genichi porteur d’idées nouvelles. L’application du savoir-faire acquis dans la fabrication des hélices à celle des moteurs aboutit en 1954 à la production de la première moto Yamaha l’Akatombo (libellule rouge).
Une nouvelle branche est crée la YAMAHA MOTOR Co Ltd.

En 1967 ouverture d’un parc de loisir consacré à la musique suivi en 1974 d’un autre parc destiné au sport (Yamaha produit des raquettes skis et clubs de golf) et à la musique.

La recherche est engagée dans les domaines de l’acoustique. Des nouvelles technologies. Des nouveaux matériaux. Les applications s’en suivent.

La pédagogie est autre axe important chez Yamaha.
En 1954 création des ÉCOLES de MUSIQUE YAMAHA appliquant des méthodes pédagogiques spécifiques.
En 1980 ouverture à Hamamatsu de l’école privée de formation de techniciens de piano la YAMAHA PIANO TECHNICAL ACADEMY. Et preuve supplémentaire de la considération que Yamaha porte aux accordeurs de pianos formés dans son Académie et de son exigence de qualité : création du cercle d’excellence de la corporation la YPTG/ YAMAHA PIANO TECHNICIAN GUILD.

L’électronique

C’est un domaine privilégié de la recherche dans l’entreprise. Dès 1959 elle a été appliquée à l’orgue (Electone) puis au fil des ans à tous les domaines de la production.

En 1984 conception des premiers robots industriels.

La spécificité de Yamaha reste la musique.
Après les claviers viennent les cordes les cuivres les percussions.
Parallèlement aux instruments sont fabriqués les outils de diffusion d’amplification d’enregistrement et de reproduction du son. Toujours modernisés. Du phonographe au lecteur de CD. De la console de mixage au TENORI-ON. Du haut-parleur aux enceintes connectées.

Depuis 120 ans Yamaha a fait évoluer le piano. Du piano droit au Transacoustique les innovations surprennent et se succèdent à un rythme croissant.

Ce qui parait tout à fait intéressant tient en l’application d’innovations électroniques pour faire du piano AUTRE CHOSE QU’UN PIANO. Sans doute PLUS QU’UN PIANO.
En 1976 paraît le PIANO de scène ÉLECTROACOUSTIQUE. Dépourvu de table d’harmonie !
En 1982 le DISKLAVIER. Le piano qui peut jouer sans pianiste !
En 1983 le CLAVINOVA est le premier piano numérique au monde. Concurrent du piano ! Il est moins cher et surtout plus léger il est facile à transporter.
En 1993 les pianos peuvent se faire silencieux ! Ils sont équipés d’un système SILENT.
En 2015 le TRANSACOUSTIQUE. Piano hybride. Il cumule tous les possibles. Silent. Acoustique. Électronique.

Spirit of Yamaha

Attentive à ses techniciens l’entreprise soutient aussi les musiciens. Les « artistes Yamaha ». Elle les associe à ses recherches acoustiques et techniques. Elle accompagne et organise concerts concours et festivals. YAMAHA aime ses techniciens. YAMAHA aime ses musiciens.

Depuis ses débuts l’entreprise multiplie les actions expansionnistes.
Ouvertures à travers le monde de filiales. D’écoles. D’ateliers de recherche. De centres d’activités artistiques. Rachats d’entreprises (2008 acquisition de la manufacture Bösendorfer).
D’inventions en innovations la production se diversifie. L’entreprise se développe suivant une courbe toujours ascendante. Elle s’adapte voire devance les progrès de la technologie tout en gardant la préoccupation d’être en conformité avec les normes environnementales.
Toutes les usines Yamaha peuvent se targuer d’être certifiées ISO 14001.

Née il y a 133 ans sous la triple étoile qui brillait au ciel d’un fils d’astronome l’entreprise est aujourd’hui l’un des plus grands fabricants de piano au monde.
Ainsi l’aurait voulu Torakusu Yamaha.

FLY de LATOUR ce 5 mai 2020 jour anniversaire de la Victoire des Mexicains sur les troupes napoléoniennes à Puebla en 1862.

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Partitions, Mise En Pièces, Mise En Ordre

pfaadmin — Sat, 25 Apr 2020 18:14:19 +0000

Installation et photo Fly de Latour

Le clavier appartient à un piano à queue Erard à cordes parallèles de 1910 installé dans un grand salon.
La partition n’est pas celle que l’on trouve habituellement sur un piano.
Elle n’est pas plus celle de l’accordeur.
La partition dont il est question est celle de la Yougoslavie.

Comment tout ça est-il donc arrivé ?

En ce qui concerne ce piano l’histoire remonte au début du 20° siècle. Il a comme beaucoup de ses semblables échoué dans une famille dans un salon dans une maison près d’une église et traversé l’histoire de plusieurs générations.
Un siècle plus tard il a vu disparaître la dernière occupante des lieux.
Il est resté fermé. On a rangé les partitions.
Attendant les beaux jours.

En ce qui concerne la Yougoslavie l’histoire de sa partition est liée à deux événements déterminants :
En 1980 disparition de Josip Broz Tito. La mort de Tito président à vie depuis 1945 laisse un immense vide de pouvoir dans le pays. Privée de chef la république fédérale va littéralement exploser.

1989

Chute du mur de Berlin et des idéologies. En janvier 1990 dissolution de la ligue des communistes de Yougoslavie.
Sur fond de crise économique et politique l’exacerbation des tensions ethniques et du populisme va mettre à feu et à sang le pays pendant plus de 10 ans. La poudrière des Balkans vient de se rallumer. Chaque république réclame son indépendance. Slovénie. Croatie. Bosnie-Herzégovine. Macédoine. Monténégro. Serbie. Voïvodine et Kosovo.

Comme dans une toile de Fernand Leger les couleurs que sont les peuples s’éparpillent à côté du dessin que traçaient les frontières de leurs pays.
Les changements tant espérés n’apportent que désillusions.
La yougonostalgie qui se développe après la chute du pays est un sentiment comparable à celui de l’ostalgie pour l’ex-Allemagne de l’Est après la réunification des deux Allemagnes.

Partition est un bien joli mot pour dire autant la tragique dislocation d’un pays que la mise en ordre des notes sur du papier à musique.
Mise en pièces. Mise en ordre. Comment savoir ?

L’accordeur apporte une réponse. La partition est sa méthode.
Grâce à la partition il réalise la mise en ordre des notes du piano. En recréant des intervalles égaux d’un 1/2 ton chacun entre les notes d’une octave il pose les bases nécessaires à la construction de l’accord des 88 notes de l’instrument. Il fragmente pour mieux harmoniser. Il accorde.
La partition de l’accordeur remet de l’ordre dans le désordre.

Ce n’est ni la pire solution…ni la seule.

FLY de Latour ce 25 avril 2020 jour de la Saint Marc

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Please Play Or The Mother The Father Or The Family

pfaadmin — Mon, 13 Apr 2020 13:04:12 +0000

Photo Fly de Latour

PLEASE PLAY OR THE MOTHER THE FATHER OR THE FAMILY
Performance de John Cage (1989)
Piano renversé
Lames de feutre et piano à queue Pleyel

Curieuse façon de traiter l’instrument que de le poser à la renverse.

Pieds en l’air. Soigneusement à plat. Noir sur un matelas-millefeuille multicolore et feutré. Pupitre signé PLEYEL couronnant le tout.
Il ne s’agit en rien d’un accident. Tout est intact. Atterrissage en douceur. Toutes les précautions ont été prises. Il repose paisiblement et garde encore en cette position une certaine majesté.

La première conséquence et pas des moindres puisqu’il s’agit d’un piano tient en l’impossibilité totale d’avoir accès au clavier. Au clavier et aux cordes.
Le piano est devenu impraticable. Inaccessible. Intouchable. Interdit.
Dans la grande nef du Musée des Abattoirs il semble narguer les visiteurs. Pattes en l’air.
Noli me tangere ! Avertit-il en ce lundi de Pâques où ces trois mots prennent tout leur sens.
Tortue sur le dos s’en trouverait vulnérable et risible.
Lui sur le dos il s’impose. Muet certes mais présent. Un défi à lui tout seul.
Point final ou bien d’exclamation.

John Milton Cage

Poète peintre philosophe et compositeur de musique contemporaine fut un de ceux qui pensait la musique en termes de sonorités entre les silences.
Poussant l’expérimentation jusqu’à son point ultime en 1952 il écrivait la pièce 4´33 ´´.
Un morceau de « silence » permettant d’entendre les bruits ambiants d’autant plus audibles que la musique se tait. Dans une salle concert ou n’importe où. On s’entend mieux quand le silence se fait, on s’entend mieux dans les deux sens, on est amené à écouter les autres et ses propres émissions sonores. Jusqu’aux pulsations cardiaques gargouillis souffle frottements et sifflements.

A-t-il eu cette idée d’un piano renversé pour en faire la représentation sans appel du silence ?
Un silence émanant d’un piano n’étant pas seulement un silence mais le silence de la musique du piano. La notion de silence était particulière pour Cage qui affirmait « le silence n’existe pas ».
Reste toujours l’idée que silence et musique seraient les deux faces d’une même entité.
Intimement liées mais inverses.

Pour imposer silence au piano il l’a définitivement condamné à ne plus pouvoir être joué. Condamnant ainsi aussi l’éventuel instrumentiste. Basta ! Plus de piano plus de musique, plus de pianiste plus d’auditeur et donc plus d’accordeur non plus. L’affaire est réglée, la messe est dite.

Cage avait-il des comptes à régler avec les pianos ?

Certainement. Il les a transposés en créant. En 1940 le Piano Préparé, en 1952 le piano refermé, en 1989, le piano renversé, pour finir.

Bien avant la fin de sa vie John Cage souffrait de mille maux. Il était « empêché ». Empêché de jouer en particulier. Aurait-il transposé cet empêchement sur son instrument ?

Cage devait mourir en 1992 très peu de temps après avoir conçu ce renversement de piano. Avait-il le pressentiment de l’éternel silence à venir ? Voulait-il le conjurer en installant cette mise en scène macabre ? Voulait-il en ce piano-codicille laisser l’ultime trace de ce qu’il fut ?
Le silence et la mort en un piano reposant sur le dos dans un linceul multiplis. R.I.P.
Ci-gît John Milton Cage.

Le long titre pourrait orienter l’interprétation de l’œuvre si au contraire il ne la complexifiait pas.
« Please play or the mother or the father or the family »
Convocation par un fils de 78 ans de la famille au complet. Alternativement et en réunion.
La mère d’abord. Le père ensuite.
Le cercle de famille applaudissant à grands cris l’enfant prodige assis devant son piano.
Il se souvient…les premières leçons…Dada…le piano préparé…Merce Cunningham complice et compagnon…l’aléatoire…Marcel Duchamp…performances et happening…Fluxus…

Attribuée à John Cage cette oeuvre est conservée dans la Collection Commune de Gino di Maggio au Mudima à Milan. Son titre est celui d’une performance au cours de laquelle l’objet-piano est mis en question. Cage en a détaillé le protocole précis.
À la manière d’une partition à suivre pour réactiver la performance. La ressusciter.

Ainsi va l’œuvre qui continue et se recrée.

FLY de LATOUR ce 13 avril 2020 lundi de Pâques et jour de la Ste Ida.

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Piano Emmental

pfaadmin — Wed, 08 Apr 2020 11:12:25 +0000

Photo Fly de Latour

PIANO EMMENTAL

Piano peint
Collection commune Gino di Maggio

« Détrompe-l’œil »

En 1989 Daniel Spoerri détourne un piano sur lequel il réalise un « détrompe-l’œil » (terme qu’il a créé) pour en faire un fromage. Autre chose qu’un piano.
Un bloc d’emmental à gros trous ce qui le différencie du gruyère à petits trous.

Si Daniel Spoerri est suisse il est surtout connu pour être membre fondateur des Nouveaux Réalistes plus que promoteur de fromage à pâte pressée cuite dans la vallée de l’Emme.
Il est fondateur du eat-art.
Ceci suffirait à expliquer cela si l’on ne prenait en compte le fait qu’une de ses œuvres fut autrefois dévorée par des souris. À leur décharge cette œuvre était comestible. Elle faisait partie des « tableaux-pièges » qui sont une spécificité du travail de Spoerri autour de la nourriture. Pièges à souris parfois.

Pour rester dans la métaphore et revenir au Piano Emmental l’artiste indique que le pianiste doit porter un costume de Mickey Mouse.
Ainsi fut fait le 27 février dernier pour fêter (avec un mois d’anticipation ! Ouf !) les 90 ans de Spoerri aux Abattoirs à Toulouse.
Fromage souris et spectateurs réunis en une sorte de banquet évoquant ceux autour desquels Daniel Spoerri a construit une œuvre festive et iconoclaste.

Banqu(Ar)t

Un des festins-performance resté dans l’histoire de l’art à plus d’un titre fut le « Déjeuner sous l’herbe ». Référence au « Déjeuner sur l’herbe » peint par Edouard Manet en 1863 qui représentant un pique-nique champêtre dit « Partie Carrée » scandalisa la société bourgeoise tout en marquant un virage déterminant dans l’histoire de la peinture.
Le 23 avril 1983 quatre-vingt ans plus tard le déjeuner de Spoerri rassemblait plus de 100 convives membres éminents du paysage artistique de l’époque. Table couverts et reliefs furent ensuite ensevelis par 40 mètres de fond dans le parc du domaine de Montcel à Jouy en Josas. Enterrement fortement symbolique. En 2010 sous la direction de l’anthropologue Bernard Müller des chercheurs ont entrepris les premières fouilles archéologiques de l’art contemporain. Résurrection. Réactivation des questionnements sur l’Art et l’Archéologie (cf publications de Jean Paul Demoule).

Plus tard quand d’autres archéologues exhumeront les restes du Piano Emmental et d’une défroque de Mickey quelles seront leurs interrogations ?

Daniel Spoerri et ses amis de Fluxus se sont évertués à brouiller le statut de l’art et de ses productions. Ils ont focalisé sur le piano contestation et irrévérence. De ce fait ils l’ont désacralisé et sorti des salons bourgeois. Les Nouveaux Réalistes les ont suivi.
Sans doute pour y arriver fallait-il réduire le Piano en miette. L’affronter. Le transformer.

Les précurseurs (Ben les appelle Les Grands Parents) se sont manifestés très tôt : à la fin des années 30 John Cage invente le Piano Préparé précédé sur cette voie au delà du clavier par son ainé et grand innovateur Henry Cowell. Dans « Aeolian Harp » en 1923 il expérimentait le String Piano méthode de son invention qui consiste à intervenir sur les cordes à l’intérieur du piano.
Ils ont ouvert les pianos, Ils les ont autopsié et leur ont redonné une vigueur nouvelle …
Ils ont ouvert la voie.

Daniel Spoerri

Il est né en 1930 en Roumanie dans une famille juive. Son père Isaak Feinstein est assassiné lors du pogrom de Lasi en 1941. Le jeune Spoerri s’exile en Suisse dont il prend la nationalité et part vivre dans sa famille maternelle dont il prend le nom.
Il sera premier danseur à l’opéra de Vienne puis metteur en scène au Landestheater de Darmstadt. Il fonde une revue de poésie concrète Material. En 1959 il s’installe à Paris et crée les éditions MAT Multiplication d’Art Transformable dont il expose des pièces à la galerie Edouard Loeb.

Collectionneur de tout

Il se dit « collectionneur de tout ». Depuis l’objet glané aux Puces jusqu’aux recettes de cuisine en passant par les objets cultuels africains. Il invente les « tableaux-piéges » les « Détrompes-l’oeil ». Avec Robert Filliou il crée les « Pièges à mots ».
Fin cuisinier il ouvre un restaurant et une eat-art galerie. La nourriture sous toutes ses formes est un des thèmes majeurs de son œuvre. Cuisiner manger et récupérer les restes tout peut faire œuvre. Il met la table à la verticale pour en faire tableau.
Il rejoins les Nouveaux Réalistes et les membres de Fluxus avec lesquels il revendique le non-art. Le refus de la créativité de l’intentionnalité et du bon goût.
L’amitié tient une place importante dans sa vie. D’Aragon à Topor, de Tinguely à Siné, de Daniel Cordier à André Thomkins, de Robert Filliou à Dino di Maggio. Toute sa vie.

Daniel Spoerri a traversé les avant-gardes du XX° siècle et les conflits qui ont bouleversé l’Europe. Il a vécu en Suisse en Autriche en Allemagne en France pour enfin se poser en Toscane. Il n’a jamais cessé d’inventer. Collectionner les objets. Rassembler les amis.
Son Giardino est une fondation et un jardin de sculptures.

FLY de LATOUR le 8 avril 2020 jour de la St Gautier

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Chopin’s Waterloo

pfaadmin — Fri, 03 Apr 2020 17:48:41 +0000

Photo Fly de Latour

Chopin’s Waterloo
Œuvre de la série des Colères ou Rages Musicales d’Arman.

Réalisée en 1962 l’œuvre est exposée au Musée National d’Art Moderne de Paris.
Performance débridée puis œuvre définitivement fixée au mur sont les deux phases d’une création évoluant de la destruction à coups de masse jusqu’à la recomposition artistique.
Au départ était un instrument de musique : le piano.

Le titre quant à lui dénonce deux défaites et pas des moindres celle d’un empereur et celle de Chopin.

Le 18 juin 1815 à Waterloo : 19h30 Napoleon acculé fait donner la Garde. À 20h30 retraite de la Garde sur ces mots de Cambronne « La Garde meurt mais ne se rend pas » et puis « Merde » ce sera le mot de la fin.
Quatre jours plus tard l’empereur ne l’est plus. Il a abdiqué. Il finira sa vie en exil à Ste Hélène.
(Pour éviter toute impréparation coupable en 2021 ne pas oublier les cérémonies du bicentenaire)
À Waterloo ont péri plus de dix mille hommes et autant de chevaux. Une hécatombe.

Cette année là Chopin a cinq ans il se met au piano. Il est né « polonais » dans le duché de Varsovie dont l’histoire sera faite et défaite par celle de Napoléon. Dès 1813 il fut « russe » sous l’occupation. Il quitte définitivement la Pologne en 1830 et vivra jusqu’à sa mort en 1849 à Paris.
Il fut le plus grand pianiste compositeur « français ? » de l’époque romantique.
(Par souci de généalogie précisons que George Sand avait pour aïeul Frédéric-Auguste de Saxe roi de Pologne…)

À quelle défaite Arman fait-il allusion ?

À la sienne !
Comme beaucoup d’enfants contraints à l’étude du piano puis au constat de leur incapacité il conçu pour l’instrument amour et haine.
Ce double ressentiment augmenté d’élans anticonformistes expliquerait la hargne avec laquelle beaucoup d’artistes (masculins) se sont littéralement attaqués à cet instrument.
D’un point de vue psychopathologie on pourrait invoquer une sorte d’angoisse de castration irrésolue cherchant l’apaisement dans des acting-out irrépressibles.

Ces artistes font majoritairement partie des Nouveaux Réalistes et du mouvement Fluxus.

En 1960 Pierre Restany rédige avec Yves Klein et Arman le manifeste du Nouveau Réalisme.
Ce mouvement d’avant-garde voulait apporter un regard nouveau sur la réalité d’une société de consommation impuissante à faire oublier les questions existentielles qu’elle cherche en vain à masquer derrière une boulimie exponentielle puisque toujours insatisfaite.

La destruction est à l’œuvre.

Elle est mise en scène en public dans des actions-spectacle défouloirs collectifs ludiques et subversifs. Happening éphémères ou précurseurs d’œuvres pérennes. Sortes d’aventures figées.
Il ne suffit pas d’exploser des pianos à la hache ou de les lâcher par la fenêtre. Il faut les calciner les étouffer les renverser les remplir d’eau les travestir ou leur faire produire des sons étranges et inappropriés. Les mettre hors d’état de « nuire » tout en les utilisant pour nourrir la contestation.
Enregistrements photos et reconstitutions font œuvres a posteriori.
Le piano droit ou à queue est devenu tout à la fois matière de l’œuvre et symbole d’une société à transformer. Sa forme archétypale parlait à tous. Transformée elle fait encore sens.

Carrosseries de voiture affiches publicitaires écrans de télévision produits et déchets divers du consumérisme se verront aussi accumulés et métamorphosés par des détournements et récupérations de toutes sortes.

Entre ubris et méticulosité extrême il s’agit de disloquer de découper pour ensuite recomposer en amenant un regard nouveau sur les «choses » devenues pièces éparses d’un puzzle disloqué.
Violentes autopsies. Transposition des crises meurtrières de l’amok sur des objets de substitution.
Comme un boucher dépèce la bête pour la recomposer en terrines et autre saucissonerie l’artiste met en acte son paradoxe iconoclaste/iconodule se faisant diable-dévastateur puis dieu re-créateur.
Car il s’agit toujours de détruire l’insupportable idole pour mieux en adorer les reliques.

Ont crée sous la bannière du Nouveau Réalisme : Yves Klein, Arman, Raymond Hains, Jacques de la Villeglé, César, Daniel Spoerri, Martial Raysse, Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Mimmo Rotella, François Dufrêne, Gérard Deschamps…

Arman

De son vrai nom Armand Fernandez est né en 1928 à Nice et mort à New York en 2005. Il est enterré au cimetière du Père Lachaise à Paris. Sur sa tombe un violoncelle et ces simples mots « Enfin Seul »…
Prévoyait-ilà la terrible bataille juridique en cours entre ses six enfants et sa dernière épouse autour des milliards de sa succession ?

Il étudie à l’école des arts décoratifs de Nice et à l’école du Louvre. En 1947 il rencontre Yves Klein avec qui il partage la passion du judo et des philosophies orientales.
En 1960 il présente l’exposition « Le Plein » à la galerie Iris Clert faisant suite à celle de Klein intitulée « Le Vide ». La même année les deux amis fondent avec le critique d’art Pierre Restany le groupe des Nouveaux Réalistes.
Dés 1961 Arman s’installe en alternance à Nice et à New York. À l’hôtel Chelsea puis dans un loft à Soho et dans son immeuble à TriBeCa.

L’œuvre d’Arman

Elle semble à l’image de sa vie à moins que ce ne soit le contraire. Ambivalente.
Il dénonce le rapport des sociétés modernes à l’objet tout en le sacralisant en le faisant accéder au statut d’œuvre d’art.
En 2014 une « Poubelle « d’Arman était mise aux enchères 10 000 euros.

Après avoir « fait les poubelles » et exposé des détritus il continue par les « Accumulations » de téléphones en bakélite de tambours de machines à laver de tube de peinture usagés d’outils de montres de rasoirs d’horloges de lunettes de voitures…objets manufacturés dont il est lui même collectionneur tout autant que de pièces d’art africain.

En 1961 il entame les séries des « Colères » des « Coupes » des « Combustions ». Les instruments de musique sont mis à dure épreuve. Violons contrebasses et surtout pianos.
Dans les années 80-90 il multiplie les techniques et revient à la peinture.
Il réalise des sculptures en bronze à partir de copies de la statuaire classique auxquelles il fait subir le « découpage à sa façon » pour les re-assembler dans un savant désordre.
Voir rue Octave Callot à Paris son emblématique « Vénus des Arts » esthétique sandwich de Vénus de Praxitèle fourrée de tranches de violoncelle.

Il investit l’espace public d’oeuvres monumentales : « Long Term Parking » tour de voitures superposées sur 20 mètres de haut à Jouy-en-Josas. « À la République » 200 drapeaux de marbre pour le palais de l’Elysée. « Rostropovitch’s Tower » tour de « coupes » de violoncelles en bronze à NY. Gare Saint Lazare à Paris « L’Heure de tous » et « Consigne à vie » accumulations d’horloges et de bagages…

Artiste génial et prolifique il laisse derrière lui une œuvre considérable empreinte de musique.

FLY de LATOUR ce 1° avril 2020 à Paris jour de la St Fulbert

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